Spain is different, decía aquél célebre lema del franquismo. Pero diferente a peor. Por ello, Google News tiene que cerrar en España porque aquí no se aprueban leyes para beneficiar a la mayoría, sino a minorías que se empecinan en mantener su chiringuito y su modelo de negocio intactos. En este caso, la retrógrada reforma de la Ley de Propiedad Intelectual: el canon AEDE o "tasa Google". Porque algunos editores de periódicos españoles y otros medios de comunicación quieren cobrar por aquellos servicios que enlacen a sus noticias digitales, como Google, Menéame, etc., a pesar de que eso proporciona tráfico para sus medios.

El responsable de Google News, Richard Gingras, indica en un comunicado que la nueva realidad que establece la legislación es "insostenible" para un servicio gratuito que no muestra publicidad ni genera ingresos: "Obliga a cualquier publicación española a cobrar una remuneración quiera o no, a servicios como Google Noticias por mostrar el más mínimo fragmento de sus publicaciones. Este nuevo enfoque resulta sencillamente insostenible".

Vía | Sinc

Perdemos el foco cuando entramos a dirimir cuestiones como las que os refería en la primera entrega de este artículo, porque son filosóficamente complejas.

Seguramente nunca podamos ponernos de acuerdo sobre quién es profesional y quién amateur, o sobre quién puede producir mejores contenidos (la línea divisoria cada vez está más desdibujada, y lo estará todavía más en lo sucesivo). Lo relevante de todo este asunto es comprender mejor cómo funcionan las plataformas de contenidos y qué hacen los creadores en ellas, a fin de evitar disputas estériles.

Eso lo explica mejor que yo Clay Shirky en su libro Excedente cognitivo:

Consideremos, como comparación alternativa, un bar local. Se trata de una gestión comercial, pero los productos que vende son invariablemente más baratos si se consumen en casa, en general por un margen considerable; gran parte del servicio ofrecido por el personal se reduce a abrir botellas y fregar platos. Si una cerveza cuesta el doble en un bar que en una tienda, ¿por qué no se hunde todo el negocio y la gente opta por tomarse una cerveza más barata en casa?

Al igual que ocurre con los propietarios de YouTube, el dueño del bar está en el curioso negocio de ofrecer valor más allá de los productos y servicios que vende, un valor creado por los consumidores. La gente paga más por tomarse una cerveza en un bar que en casa porque este local es un lugar con más camaradería para beber algo; reúne a personas en busca de una pequeña conversación o que únicamente quieren estar con otra gente, individuos que prefieren estar en el bar que solos en casa.

Nadie diría, entonces, que el dueño del bar está explotando, por ejemplo, los contenidos que crean espontáneamente sus clientes en forma de conversaciones u otras formas, porque ello es parte de la razón de que la gente pague más por la cerveza. Al revés: los clientes pagan gustosos la cerveza para recompensar al dueño del local por crear un entorno social acogedor.

Youtube es ese local.

En otras palabras, si alguien inventa un copiador de jamones, que nos permitirá imprimir tantos jamones de pata negra como queramos, eso no hundirá el mercado de los jamones, sino el modelo de negocio relativo al mismo: por ejemplo, abrirán locales donde sonará buena música y donde podremos encontrarnos con nuestros amigos mientras alguien imprime jamón de forma artística (es un decir).

Basta que extrapolemos todo eso al mundo de los contenidos. Los contenidos son fácilmente copiables, su coste de distribución tiende a cero, y la creación de contenidos es algo que mucha más gente puede hacer en su tiempo libre, hasta el punto de superar en muchas ocasiones a los profesionales que cobran dinero por hacer su trabajo. Sencillamente porque ahora, el mayor incentivo de todos, es que cualquier creación tienen una audiencia potencial de todos los seres humanos con conexión a Internet.

¿Alguien imagina ya una enciclopedia online que supere tanto a Wikipedia que justifique que la gente esté dispuesta a pagar por leerla? Probablemente, no, salvo en el caso de expertos o profesionales que precisen contenidos tan exclusivos que no haya suficiente masa crítica de creadores para que éstos surjan más allá del incentivo económico directo.

Por tanto, el modelo de negocio óptimo ya no puede ser vender copias físicas de contenidos. Y poco a poco, tampoco puede ser óptimo vender simplemente contenidos.

Chris Anderson tiene dos libros enteros sólo para explicar cómo todo terminará siendo inevitablemente gratis (entendido gratis como pago directo, no pagos indirectos, freemium y demás modelos de lo gratuito): Gratis y La economía long tail. Ambas son lecturas imprescindibles para comprender mejor cómo debemos empezar a gestionar la abundancia de contenidos que se nos avecinan.

Hace unos días os contaba que los incentivos por crear contenidos exceden la simple economía y, en consecuencia, el arte no se acabará nunca, aunque los autores no ganen dinero con ello. Incluso os conté que pagar por hacer algo no siempre es la mejor forma de hacerlo bien (de hecho nos pagan por hacer cosas que no nos gusta hacer).

Otra idea que suele prodigarse a la hora de discutir sobre la gratuidad de los contenidos en Internet es que, si uno rueda un vídeo, escribe un artículo o graba una canción no pueda recibir beneficios económicos, tal y como lo hace Youtube o Wordpress, por ejemplo, que son las meras plataformas donde colgamos nuestras creaciones.

Es decir, ganan dinero los creadores de plataformas, pero no los creadores de los contenidos que llenan de valor añadido a esas plataformas.

Naturalmente, a la mayor parte de la gente le parece injusta esta situación, si bien es la situación que se ha producido en la mayor parte del mundo de los contenidos 1.0: las editoriales, las discográficas y las productoras son las que verdaderamente se enriquecen del trabajo de los creadores, que sólo reciben una porciúncula de los beneficios.

Sin embargo, quienes defienden ese reparto draconiano arguyen que editoriales, discográficas y productoras son las que arriesgan, y que sólo se enriquecen con algunos autores, no con todos, de modo que ese desequilibrio le permite seguir adelante apostando por nuevas voces.

Este pretexto (que no acabo de compartir, pero que no espero desarrollar hoy), no obstante, no se aplica por igual a plataformas como Youtube.

Los que se quejan son los que ganan dinero

A pesar de que escribir un blog o subir un vídeo a Youtube no siempre reporta beneficios económicos (aunque pueda hacerlo, y haya gente que viva muy bien de ello), lo cierto es que la mayoría de la gente sigue escribiendo posts, canciones y demás contenidos.

Y no lo hace con la esperanza de generar beneficios algún día: lo hace porque le apetece. Porque producir contenidos y compartirlos con los demás es un beneficio es sí mismo.

Así pues, la mayor parte de la gente que se queja de la gratuidad de los contenidos no son la mayor parte de los creadores, sino los creadores “profesionales”, entendidos éstos no tanto como los que producen mejores contenidos, sino como los que previamente, en el mundo 1.0, se ganaban la vida con ello.

Los profesionales, en consecuencia, recelan de los aficionados, aunque Wikipedia sea una enciclopedia de aficionados, así como lo son portales de divulgación científica que llenan los huecos de medios profesionales.

En la próxima entrega de este artículo profundizaremos en esta idea, así como en la diferencia que reside entre pagar por tomarnos una cerveza (el acto en sí) o el contenido del botellín de cerveza.

Seguimos con lo apuntado en la anterior entrega de ese artículo. Internet es un medio muy joven. Si bien ya tiene 40 años, y la red solo 20 años, y sus capacidades están empezando a desarrollarse ahora, sobre todo a raíz de construcciones como los blogs, las wikis o la proliferación de smartphones.

Hasta el punto de que la gente, en su tiempo libre, además de compartir vídeos de gatitos, también participa activamente en servicios como Ushahidi para ayudar a los ciudadanos a llevar a cabo un seguimiento de los estallidos de violencia étnica en Kenia. Hasta ahora confiábamos en los gobiernos o en los medios de comunicación tradicionales para ser informados sobre hechos como los acaecidos en Kenia, pero a principios de 2008 los profesionales no lo estaban cubriendo, ya fuera por partidismo o por censura.

Muchos medios de comunicación profesionales (sobre todo offline) progresivamente adquieren gran parte de sus contenidos de la creación, investigación y discusión de miles de personas que aportan su trabajo gratuitamente, en su tiempo libre, a través de la Red. A veces para hablar de gatitos, sí, pero otras veces, como Ushahidi, para cosas más importantes: la Kennedy School of Government, de la Universidad de Harvard, llevó a cabo un análisis que comparaba los datos del sitio web con los de los principales medios de comunicación, concluyendo que Ushahidi había sido mejor a la hora de informar respecto de actos de violencia enguanto se iniciaban.

Como señala Clay Shirky en Excedente cognitivo:

Desde su debut a principios de 2008, Ushahidi se ha utilizado para realizar el seguimiento de actos de violencia similares en la República Democrática del Congo, para controlar colegios electorales y evitar el fraude de los votantes en la India y México, para hacer constar el suministro de medicamentos básicos en varios países del este de África, y para localizar heridos tras los terremotos en Haití y Chile. Un puñado de gente, trabajando con herramientas baratas y con poco tiempo y escaso dinero para gastar, consiguió hacerse con la suficiente buena voluntad por parte de la comunidad para crear un recurso que nadie se habría imaginado siguiera cincuenta años antes.

Insisto, hay más vídeos de gatitos que creaciones como Wikipedia. Pero ello sólo se debe a que el paradigma cultural reinante es el “ola ke ase” y el “Harlem Shake”. Pero ello puede interpretarse bidireccionalmente: si hay muchos creadores de tonterías porque son tontos, también habrá muchos contenidos tontos para que sean consumidos por dichos tontos. Es decir: que la mayoría de libros que se editan, la mayoría de las películas, la mayoría de la televisión no es sacrosanta cultura sino contenidos dirigidos al pueblo que consideramos tonto, el mismo que genera contenidos tontos. O más sintético: se crean tantas tonterías como se consumen, independientemente de quienes las realicen.

No es una ley precisa, naturalmente, pero a nivel conceptual tiene sentido.

Otra cosa es que consideremos la calidad de los contenidos desde puntos de vista que difícilmente pueden alcanzar los creadores de contenidos online y amateur. Sería complicado que un colectivo creara un filme con los efectos especiales de Avatar o Star Wars, aunque ya nos estamos aproximando a ello. Pero el error estriba en pensar que las personas prefieren contenidos de ese tipo. Puedo imaginarme un mundo sin esos efectos especiales. Y tal vez las personas, más que dichos efectos especiales, prefieran sentirse conectados, comprometidos o simplemente menos solos. Hasta ahora, sin embargo, no había alternativa.

De hecho, la actual industria cultural podría considerarse un rara avis: controlada por unas pocas personas, generadora de más beneficios que cualquier otra actividad (si no me falla la memoria, la otra actividad que genera más beneficios que el entretenimiento es el narcotráfico), obligada a pasar por determinados canales de distribución, limitada a los consumidores con determinado poder adquisitivo, inductora de leyes que consideren ladrones a quienes hacen copias de esos contenidos o que trata de prolongar los límites temporales de la propiedad intelectual y, finalmente, repartidora del pastel de tal modo que la mayoría de los creadores no tengan ni para pipas.

Una parte significativa de la cultura era participativa (reuniones locales, acontecimientos y actuaciones), porque ¿de dónde más podía proceder de la cultura? El simple acto de crear algo con otros en mente y luego compartirlo con ellos representa, como mínimo, un eco de ese viejo modelo de cultura, hoy día con un tinte tecnológico. Una vez aceptas la idea de que nos gusta hacer y compartir cosas, sin importar lo tontos que sean sus contenidos o lo pobres que sean en su ejecución, y que hacernos reír los unos a los otros es una actividad distinta a que te haga reír alguien que ha cobrado por ello, los dibujos de Cartoon Network se convierten en un sustituto de los lolcats de menor categoría.

Lo más irónico de todo esto es que, en cuanto empecemos a acostumbrarnos todos que en el ámbito de los bits todo tiende a lo gratis, que la gente consume, crea y comparte a partes iguales, que el arte y los contenidos serán más abundantes y diversos que nunca, justo entonces, a juicio de Chris Anderson en su nuevo libro Makers: The New Industrial Revolution, entonces pasará algo parecido en el mundo de los átomos. Con el advenimiento de las impresoras en 3D, la gente consumirá, creará y compartirá instrucciones generadas colectivamente para fabricar objetos, medicamentos e incluso comida. Y seguramente, entonces, deberemos hacer frente a otra gran pataleta por parte de los luditas que se niegan a cambiar de modelo de negocio (e incluso de manera de pensar).

Por último, recordemos: la población conectada aún sigue viendo más de un billón de horas de televisión al año; el 1 % de eso es más de 100 veces el valor de participación anual en Wikipedia. O sea, que hay cultura para rato.

Podéis leer más acerca de estos temas en Las ventajas de la autoedición, aunque no ganes demasiado dinero con ella (o escribas basura).

Siguiendo con lo apuntado en la anterior entrega de este artículo, cuando uno contabiliza los millones de vídeos de gatos que corren por Youtube, los miles de blogs que se actualizan diariamente, la incomensurabilidad de la Wikipedia, la frenética actividad de Twitter, las discusiones bizantinas en foros que abordan desde temas políticos hasta la última infidelidad de una famosa, uno no puede evitar preguntarse: ¿de dónde saca el tiempo la gente?

Y, aunque parezca una pregunta retórica, lo cierto es que tiene una respuesta bastante sencilla: sale del tiempo que estamos dejando de dedicar en exclusiva a la televisión.

La idea resulta un poco contraintuitiva. La mayoría de nosotros trabaja 8 horas, duerme 8 horas… y sólo dispone de 8 horas libres, que generalmente dedica a cocinar, comer, asearse, salir a tomar algo, etc. Sin embargo, aún teníamos tiempo para que cada uno de nosotros dedicara unas cuantas horas al día a consumir televisión.

En estos últimos años, el tiempo que dedicamos a todas las actividades que no son trabajar y dormir se han mantenido igual, pero el tiempo que dedicamos a ver televisión no deja de disminuir. En el libro Excedente cognitivo, de Clay Shirky, se aborda este asunto con el respaldo de un puñado de estadísticas. Shirky dedica unas páginas a calcular el tiempo libre de la ciudadanía mundial como si fuera un producto global.

Es decir, parece que la gente tiene mucho tiempo libre porque... hay mucha gente.

Si sumamos todos los minutos y horas libres de cada persona, entonces aparece un cómputo global de tiempo libre inédito en la historia de la humanidad. Hasta hace apenas unas décadas, la gente apenas tenía tiempo para trabajar y dormir (a no ser que fuera rica). Hoy en día, gracias a la tecnología y los avances en los derechos del trabajador, la mayoría tiene tiempo; y su esperanza de vida también ha aumentado, añadiendo más tiempo libre a la suma total.

Shirky lo explica así:

¿Qué tamaño tendría dicho excedente? Para hacernos una idea, necesitamos una unidad de medida, así que empezaremos por Wikipedia. Supongamos que consideramos el total del tiempo que ha invertido la gente en ella como una especie de unidad: cada modificación realizada en cada artículo y cada discusión sobre dichas modificaciones para cada uno de los idiomas en los que existe Wikipedia. Esto representaría algo así como cien millones de horas de pensamiento humano (…) Martin Wattenberg, un investigador de IBM que ha dedicado tiempo a estudiar Wikipedia, me ayudó a llegar a esa cifra. Es un cálculo aproximado, pero en el orden de magnitud correcto. Cien millones de horas de pensamiento acumulado son muchas, evidentemente. Sin embargo, ¿cuánto es en comparación con el tiempo que pasamos viendo la televisión? Los norteamericanos ven cerca de doscientos mil millones de horas de televisión al año. Eso representa el equivalente al tiempo libre que se destinaría anualmente a dos mil proyectos de Wikipedia.

Si hasta hace poco la gente empleaba su tiempo libre en ver televisión sólo era porque no existía otra alternativa. Pero ahora la hay, y resulta mucho más atractiva para los ciudadanos. No todos aspiran a crear entradas de Wikipedia, naturalmente, pero hay muchos que lo hacen; y también muchos que escriben la Lostpedia (el equivalente a Wikipedia de la serie Lost), a escribir blogs interesantes que incluso superan en calidad a los medios tradicionales, a generar proyectos cinematográficos colectivos online, etc.

Las poblaciones jóvenes con acceso a medios rápidos e interactivos están alejando su comportamiento de medios que suponen el puro consumo. Incluso cuando ven vídeos en línea, tienen la oportunidad de comentar el material, compartirlo con sus amigos, etiquetarlo, puntuarlo o clasificarlo, y, evidentemente, hablar sobre ello con otros espectadores de todo el mundo.

Es cierto que la mayoría de este material es literalmente basura. Pero se genera tanto material que, porcentualmente, hay más creación que nunca. Gratis. Creaciones que superan a sus homólogos (como Wikipedia). Porque la gente disfruta creando y compartiendo. Y si la industria no entiende eso y pretende seguir manteniendo el modelo de negocio de pagar por copia y crear una escasez artificial al respecto, entonces deberán crear contenidos que resulten más atractivos (algo que dista de ser así, de hecho se están invirtiendo las tornas). Todo apunta, pues, a que los contenidos serán gratuitos, tanto los amateur como los profesionales (de hecho, esa línea divisoria empieza a carecer de sentido en el ámbito de la Red). Podéis profundizar en ello en Todos los libros del mundo acabarán siendo gratis, lo queramos o no. O en el futuro del periodismo en El futuro del periodismo 2.0: profesionales VS Amateurs.

En la próxima y última entrega de esta serie de artículos sobre el excedente cognitivo, remataremos con algunas conclusiones sobre el futuro que se avecina.

Ya en tiempos de la Ley Sinde nos llevamos las manos a la cabeza. Pero nunca sospecháramos que la cosa pudiera ser incluso peor, la inminente Ley Lasalle: en pocas palabras, una ley para que un grupo de personas siga ganando dinero de la forma que ellos quieren ganar dinero, aunque ello menoscabe el desarrollo de la tecnología o el acceso a la cultura.

Nuestros compañeros de Genbeta han llevado a cabo un análisis de la inminente Ley Lasalle, la evolución de la Ley Sinde. Algunas fuentes indican que la ley podría entrar en vigor en España este mismo viernes 22 de marzo de 2013.

En síntesis, podríamos decir que la nueva ley permite la copia privada... cuando no te hace falta ni te sirve para nada. Es decir, restringe la copia privada a las copias que se hagan de un soporte original y siempre que se hayan adquirido en propiedad, excluyendo así copias de obras originales pero alquiladas e incluso las que se hacen de un original que te presta alguien. Además, si grabáis algo de la televisión es para disfrutarla en el "momento oportuno", pero en ningún caso podréis guardarla o almacenarla de forma permanente. Olvidaos de haceros una videoteca. Es decir, una ley más restrictiva que en los tiempos del VHS.

También se podrán cerrar las webs de enlaces, aunque ni siquiera haya ánimo de lucro: basta que "sea susceptible de causar un daño patrimonial". Y tampoco es necesario que sea una web de enlaces, puede ser cerrada siempre y cuando sea denunciada y, a su juicio, se vulnere los derechos de autor. Es decir, en potencia se podría cerrar cualquier web.

No es la primera vez que desde Xataka Ciencia abordamos los derechos de autor y la propiedad intelectual desde un punto de vista más científico, como en Una visión científica de los derechos de autor (I),(II), (III), (IV), (y V). Pero el contenido de la Ley Salle parece retroceder un cuarto de siglo frente a todas estas matizaciones. Parece, pues, que el consumidor deberá plegarse a las exigencias de la industria, antes de que la industria cambie su modelo de negocio para plegarse a las leyes que más benefician al conjunto de la sociedad.

Es decir: que ellos deben seguir ganando dinero vendiendo copias de sus productos (aunque, con ello, deban crear una escasez artificial de dichos productos), y el pintor de brocha gorda (o el maquillador de El señor de los anillos), seguirá cobrando por cada trabajo hecho, no cada vez que una persona pose sus ojos en su obra.

Recientemente se ha publicado un libro que despliega un discurso neoludita enmascarado en datos que pone en evidencia que la industria no está dispuesta a adaptarse a los nuevos tiempos, y que el negocio es el negocio, por encima de todo lo demás: Parásitos, de Robert Levine. Lo más llamativo del libro, con todo, es que si andas con la guardia baja o no has empollado los temas que desarolla (por ejemplo, leyendo dos de los autores que más se critican: Chris Anderson y Lawrence Lessig), es posible que llegues a pensar que sí, en efecto, que la cultura podría extinguirse si no aprobamos cosas como la Ley Lasalle.

Pero si el lector está mínimamente informado (o tiene el detector de falacias lógicas activado), enseguida advertirá toda clase de argumentos torticeros. Si os interesa leer algunos de ellos, escribí hace unos días 10 deslices de Robert Levine que evidencian un discurso ludita sobre la creación y la distribución de cultura.

Si os interesa profundizar un poco más en todas estas cuestiones, tal vez os interesen leer los siguientes títulos:

Gratis, de Chris Anderson Cultura libre, de Lawrence Lessig Todo va a cambiar, de Enrique Dans Imagine… No copyright, de Joost Smiers y Marieke van Schijndel

Quienes leen mis lucubraciones varias sobre el tema (como Sin Copyright, ¿de qué vivo? o Los malditos derechos de autor (I), (II), (y III)), ya saben que les tengo cierta manía a los derechos de autor y otros mecanismos de propiedad intelectual.

Pero hoy vamos a centrarnos en un aspecto de los derechos de autor que atañe directamente a la tecnología y al acto creador de los inventores: las patentes.

En primer lugar, hay poca evidencia de que las patentes sean realmente las que impulsan a los inventores a inventar (más bien hay una raíz biológica más poderosa). La mayor parte de las innovaciones jamás son patentadas, tal y como señala Matt Ridley, de la Universidad de Oxford:

En la segunda mitad del siglo XIX, ni Holanda ni Suiza tenían un sistema de patentes y, sin embargo, ambos países florecieron y atrajeron a inventores. La lista de invenciones significativas del siglo XX que jamás fueron patentadas es larga. Incluye la transmisión automática, la baquelita, el bolígrafo, el celofán, los ciclotrones, el girocompás, la turbina, la grabación magnética, la dirección hidráulica, la maquinilla de afeitar y la cremallera. En contraste, los hermanos Wright consolidaron la naciente industria de la aviación en Estados Unidos a través de una defensa entusiasta de su patente de 1906 de las máquinas voladoras con motor. En 1920, hubo un atasco en la producción de radios causado por el bloqueo de patentes impuesto por cuatro empresas (RCA, GE, AT&T y Westing House), lo cual impidió que alguna de ellas fabricara los mejores radios posibles.

Si finalmente se hubiera llevado a cabo la disparatada idea de permitir patentes de fragmentos genéticos, segmentos de secuencias de genes que podían ser usados para hallar genes defectuosos o normales, la secuencia del genoma humano se hubiese convertido en un paisaje imposible para la innovación. Algo que ya sucede con la telefonía móvil, donde las grandes compañías tienen que luchar para hacerse camino a través de marañas de patentes cada vez que quieren traer una innovación al mercado. Y al final resulta que el litigio y el cabildeo son un modo más lucrativo para ganar cuota de mercado que innovar o invertir.

Hoy en día, los mayores generadores de nuevas patentes en el sistema estadounidense son los “ogros de patentes”, compañías que pagan aplicaciones de patentes débiles sin el propósito de fabricar los productos en cuestión, pero con toda la intención de hacer dinero demandando a todos quienes las infrinjan.

Vía | El optimista racional de Matt Ridley

Las nuevas variedades de plantas con mayor rendimiento, calidad elevada, o mayor resistencia a las plagas y las enfermedades son un elemento clave y fuente de ahorro al aumentar la productividad y la calidad de los productos en la agricultura, la horticultura y la silvicultura, minimizando al mismo tiempo la presión sobre el medio ambiente.

Muchas modernas tecnologías de producción vegetal deben combinarse con variedades de alto rendimiento, para liberar su entera capacidad potencial.

El tremendo progreso de la productividad agrícola en varias partes del mundo se debe en gran parte a las variedades mejoradas.

La población mundial sigue en aumento y es necesario encontrar maneras de incrementar la producción aumentando el rendimiento y minimizando el derroche, aprovechando al máximo el uso de la tierra y otros recursos, que comienzan a ser escasos.

El fitomejoramiento presenta otras ventajas económicas y medioambientales además del simple aumento de la producción de alimentos, aun para los países en desarrollo.

La creación de nuevas variedades mejoradas, por ejemplo, gracias a una mejor calidad, aumenta el valor y la capacidad de explotar comercialmente los cultivos en los mercados mundiales del siglo XXI.

Además, los programas de fitomejoramiento de plantas ornamentales pueden tener una importancia económica fundamental para un país exportador.

El fitomejoramiento y la utilización de nuevas variedades son un factor decisivo para mejorar los ingresos en zonas rurales y el desarrollo económico general.

La creación de programas de fitomejoramiento para ciertas especies puede eliminar la amenaza que pesa sobre algunas especies silvestres.

El proceso de fitomejoramiento es largo y costoso; sin embargo, puede resultar muy rápido y fácil reproducir una variedad.

Claramente, pocos dedicarían muchos años de su vida realizando inversiones económicas importantes para desarrollar una nueva variedad si no existiera la posibilidad de que ese compromiso se vea recompensado. De ahí que sólo sea posible mantener las actividades de fitomejoramiento si existe la posibilidad de recuperar la inversión.

Por lo tanto, es importante crear un sistema eficaz de protección de variedades vegetales con el fin de alentar el desarrollo de nuevas variedades, en beneficio de la sociedad.

Las innovaciones en otras esferas de la tecnología relativas a las plantas están protegidas por derechos de propiedad intelectual (entre ellos las patentes).

Vía | UPOV

El ser humano crea arte por razones que trascienden lo económico. El autor crea para obtener estatus, para realizarse, porque está codificado en sus genes, porque somos seres esencialmente meméticos, por el simple deleite estético.

Y hasta el momento, desde el inicio de esa supuesta protección de los derechos de autor, la mayoría de autores no vivían de su trabajo.

De hecho, ni siquiera alcanzaban al salario mínimo interprofesional.

La idea que trato de transmitir en este artículo es que el actual modelo de negocio no da de comer a la mayoría de autores sino a una minoría privilegiada (y por supuesto a los innumerables intermediarios). Para cambiar el modelo de negocio, entre otras cosas hay que redefinir qué son los derechos de autor: ellos privilegian a un puñado de empresarios y empobrecen económicamente al autor, y culturalmente a la sociedad.

Como ejemplo límite, la supresión de los derechos de autor no sería descabellado en tanto en cuanto siempre habrá autores dispuestos a crear aunque no se les pague por ello (el ejemplo existe hoy en día: la mayoría de los autores crea obras artísticas a pesar de que está mal pagado o directamente no se paga).

Pero, como digo, es un ejemplo límite (defendido por algunos abogados y expertos en el tema, pero que requiere de una instrucción previa que no posee la mayoría de los ciudadanos que acuden a las urnas). Podéis leer un análisis más detallado en mi artículo en Papel en Blanco.

Tal vez habría antes que dar un paso intermedio: buscar una manera de vivir de tu obra sin “vender” tu obra. Hay ya diversos libros que ofrecen alternativas a ese obsoleto modo de generar beneficios: cuando el coste de una copia es cero, vender copias no tiene sentido, máxime si hablamos de cultura y no de una botella de vino, por ejemplo.

Si escribes una nueva versión de una película de Disney, preparaos para recibir una demanda (aunque Disney se haya apropiado a su vez de un cuento popular libre de derechos de autor para hacer su película). Si os disfrazáis de dragón púrpura, prepárate para una demanda. Si cantáis en tu boda una canción de David Bisbal, prepárate para una demanda.

Por supuesto, aquí no se defiende la anarquía. Lo que se intenta exponer es que los derechos de autor, muy legítimos para enriquecer a las empresas que los gestionan o dar de comer precariamente a la mayoría de artistas, imposibilitan que el arte se desarrolle en toda su amplitud.

No se trata de que al ver la saga de Indiana Jones y que se te ocurra una idea a raíz de su lectura. No es tan simple. El problema aquí es que las variaciones que hagas de Indiana Jones deben parecerse muy poco a Indiana Jones. Y ni se te ocurra usar el personaje de Indiana Jones.

En Cultura libre, el catedrático en Derecho de Stanford Lawrence Lessig tiene un capítulo dedicado a este tema que me parece soberbio. Habla de lo difícil que es hoy en día (salvo para una empresa con mucho dinero) hacer un simple documental de Clint Eastwood. A partir de el examen de esta pequeña anécdota (completamente real), Lessig trata de demostrar que el actual modelo de protección de derechos de autor (no prescribe hasta los 70 años después de la muerte del creador, no resulta fácil saber si una obra está liberada o no de sus derechos, no es sencillo contactar con el responsable de esos derechos, etc.) no existe ni mucho menos para proteger la autoría del creador sino para privilegiar la explotación económica de los que han adquirido los derechos.

Por eso Disney es inmensamente rico, entre otras cosas: apropiándose de la cultura. Por eso hay empresas que quieren registrar el silencio, o determinadas palabras (¡incluso letras!). O Pepsi lleva años persiguiendo el registrar su color azulado para que nadie más pueda usarlo sin su permiso (ergo, soltando la mosca).

Siendo los derechos de autor un lastre para la creación en un mundo donde el acceso a la cultura puede ser prácticamente gratuito y que la autoría es un tanto difuminada (y que sin autoría es más sencillo enriquecer el panorama cultural), creo que habría que reformular, al menos, qué diablos es eso de los derechos intelectuales sobre una obra y que, como mínimo, tuvieran una duración en el tiempo más razonable, del orden de 3 o 5 años desde su creación.

Empieza a resultar absurdo que la gente viva, pues, de la copia, la reproducción y la exhibición, como resulta absurdo que la gente viva de vender aire.

Empieza a resultar absurdo el mantener el actual modelo de negocio y también la percepción general que tenemos de los derechos de autor. Y en poco tiempo habremos de acostumbrarnos a cambiar los esquemas mentales más elementales si pretendemos que la sociedad de la información avance de un modo inédito en ninguna época de la historia, un modo que tendrá implicaciones socioculturales tan importantes en el mundo como en su día lo tuvo la invención de la imprenta.

Vía | No Logo o Imagine… no Copyright de Joost Smiers y Marieke Van Schijndel / Copia este libro de David Bravo / Cultura libre de Lawrence Lessig / No Logo de Naomi Klein / La máquina de los memes de Susan Blackmore / La ciencia de la belleza de Urlich Renz / Armas, gérmenes y acero de Jared Diamond / Cómo funciona la mente de Steven Pinker / Sistemas emergentes de Steven Johnson / El meme eléctrico de Robert Aunger.

Según la memética, todos nosotros somos excelentes imitadores de los demás. De hecho, las bases de nuestro lenguaje, nuestra expresión artística, las corrientes ideológicas, las modas, la música, etc. surgen de la interacción memética. Los memes serían como los genes, pero a nivel informativo, a nivel cultural.

En ese sentido, la originalidad no es tal sino la combinación de memes que el autor ha recebido de los demás. Por ello, un autor, en realidad, lo único que hace es copiar parcialmente el mundo memético en el que está inmerso. Y también, por ello, en un ambiente memético con miles o millones de individuos, lo estadísticamente lógico es pensar que existen muchos más individuos que han combinado los memes de la misma forma que el autor brillante.

Sin embargo, las estructuras sociales que nuestros cerebros incapaces de imaginar grandes poblaciones han originado para valorar el genio no permiten, por su propia esencia, que muchos genios aparezcan simultáneamente: ello menoscabaría el genio escogido, reduciría las ventas, complicaría las discusiones sobre crítica de arte, etc. (Internet, afortunadamente, está debilitando estas estructuras sociales, cada vez descubrimos más autores en todas las áreas que son igualmente brillantes; pero las estructuras psicológicas permanecen individualmente, porque, como dije antes, están codificadas en los genes heredados de homínidos que se desarrollaron en sociedades de pocos individuos).

Lo cual abre una línea de debate no menos interesante: aceptando que somos demasiados los individuos que potencialmente podemos ser artistas geniales, esta criba espontánea y natural (aunque injusta y caprichosa), ¿es útil y debe preservarse o quizá habría que apostar por otro modelo cultural? Difícil cuestión, pues la estructura actual se halla ciertamente muy arraigada.

Aunque Internet, que permite que cada vez podamos ser más escritores, más directores de cine, más autores con voz y voto (el mismo Ramoncín criticaba esta tendencia diciendo que al final habría más cantantes produciendo música que escuchando música), en definitiva, puede cambiar esta idea de Autor por primera vez en la historia. Internet es la forma más revolucionaria de demostrarnos que somos muchos más en el mundo de lo que creemos. Que no somos tan especiales. Que hay más gente que piensa y padece las mismas zozobras que nosotros.

Concluyendo y uniendo las dos ideas fundamentales vertidas; a saber: 1) que las invenciones son sólo mezclas de invenciones que flotan entre nosotros nacidas de los miles de cerebros que nos rodean, combinaciones fortuitas que normalmente no salen a la luz porque nadie las apoya; y 2) Que somos incapaces de asimilar cifras grandes de personas y así preferimos centrarnos emocionalmente en grupos pequeños o personas individuales pese a que existan muchos seres que en potencia deberían merecer nuestra atención.

Uniéndolas, digo, ponemos de manifiesto nuestra obsesión por buscar la autoría de cualquier idea, libro o invento.

Pero, así como las modas no tienen autor sino que nacen de la sinergia de comportamientos colectivos; las ideas, corrientes de pensamiento, inventos o libros tampoco tienen más autor que la infoesfera en la que vivimos todos inmersos. Será interesante ver cómo todas estas nuevas ideas van calando poco a poco en el mundo, provocando cambios que somos incapaces de predecir.

Porque cuanto menor es el control en los derechos de autor, mayor y mejor es la creación de los autores. Pues la creación original en esencia es la reformulación y la mixturización de cosas ya existentes. La mutación, el plagio, la retroalimentación y la sinergia son factores coadyuvantes para el progreso de la cultura, la creatividad y el arte. En un mundo donde la copia puede ser a bajo coste, la figura de la usurpación intelectual pierde sentido: si ofrecemos el fuego de nuestra vela para encender otra vela, no perdemos el fuego de nuestra vela sino que tenemos dos velas encendidas, la propia y la ajena.

De los cruzamientos nacen nuevas cosas, del mestizaje, del batiburrillo, del caos. El pedigrí nos debería levantar ampollas. Deberíamos desdeñar el celibato monacal, la sangre azul aristocrática, estéril, endogámica, sin visos de futuro.

El modelo de negocio ha cambiado tal y como cambió en el pasado cuando se inventó la nevera, desplazando el trabajo de los que iban en busca de bloques de hielo a la cima de una montaña. La compra de una nevera no debería implicar el pago de un canon para subsanar la incapacidad del buscador de hielo en buscarse otro medio de subsistir.

Ya sabéis, el lema de Apple: rip, mix and burn. Tomar la creatividad de la cultura que nos rodea, mezclar esa creatividad con el talante del propio artista y luego copiar esa nueva creación, como hicieron casi siempre las grandes empresas de entretenimiento, como Disney absorbiendo cuentos populares. O como hacen los científicos que se basan en las teorías de otros científicos sin pedir permiso. O como hacen compañías de teatro que crean adaptaciones de las obras de Shakespeare, difundiéndolas, promocionándolas, adaptándolas a las nuevas realidades.

Otro punto que quiero resaltar es una cita de 1998, de un tal Coombe, entresacada del libro de Joost Smiers y Marieke von Schkndel Imagine… No Copyright. Es una cita algo densa, pero vale la pena leerla con atención:

Las prácticas dialógicas posmodernas de la parodia, el pastiche, la ironía y la crítica social se contradicen con el monologuismo del discurso legal actual que otorga monopolios sobre el significado, por autoridad que se confiere al nombre propio en forma de propiedad.

Dicho de un modo más accesible: el copyright que impone el modelo derechos de autor que ahora se defiende permite a las empresas que producen cultura poner pleitos por difamación o por uso ilegal de marcas para perseguir a cualquier que dé un giro no deseado a un producto de la cultura popular.

Vía | No Logo o Imagine… no Copyright de Joost Smiers y Marieke Van Schijndel / Copia este libro de David Bravo / Cultura libre de Lawrence Lessig / No Logo de Naomi Klein / La máquina de los memes de Susan Blackmore / La ciencia de la belleza de Urlich Renz / Armas, gérmenes y acero de Jared Diamond / Cómo funciona la mente de Steven Pinker / Sistemas emergentes de Steven Johnson / El meme eléctrico de Robert Aunger.